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主观音乐与客观音乐，音乐节奏对应画面剪辑，视听上的平衡和融合
发布时间：2024-03-04 14:33:50 浏览量：362次
在流行音乐纪录片中，播放的音乐大部分由影片中的音乐人自己创造，常伴随着人物出现，因此有着极强的个人音乐风格特色，人物和音乐共同变得独一无二。同时，音乐是为作品主题服务的，它可以概括主题、揭示主题和深化主题，音乐就像解说词一样，对画面空间中的事件、感情和情绪做出评价，在影片中，主题配乐可以非常强烈的吸引和感染观众。
《坂本龙一：终曲》中音乐的体裁和风格非常丰富，有现代、爵士、先锋、电子等，这些音乐风格在影片中也对应着坂本龙一作曲家、钢琴家、midi键盘手等的身份信息，以及这些不同的音乐风格也在表达着一个主题——坂本龙一丰富的音乐人生。当然，除了以上基本的音乐功能，音乐的作用还有很多，如创造地点感和时代感、揭示内心情绪、评价场面等等，音乐所表达的内容不是具体的，但是激起观众的心理情感上是最细腻的。音乐的种种能力是其他艺术形式所不具备的，音乐表达情感的强度和直接性也超过了其他艺术形式。
主观音乐与客观音乐
流行音乐纪录片中的主观音乐亦称画外音乐或无声源音乐。画面并未提供出现音乐的根据，是由创作者根据影片人物性格、抒发人物情感而创作的音乐，影片中的开头音乐、结尾音乐和背景音乐都是主观音乐。主观音乐包含着作品的主题、思想、感情，体现了作曲家对影片画面内容的主观创造性，帮助画面把情感加深加浓，加强影片的艺术感染力以及渲染气氛。客观音乐是指影片画面的规定情境中应有的音乐。如人物在歌唱、演奏乐器、收音机的广播等，是场景画面中必然会出现的声音安排。
主观音乐会运用其自身的旋律和歌词在无形中构建出一个呈现于画面之外的、表现性的心理空间，使观众引发共鸣。主观音乐在影片的运用中会谨慎很多，因为要考虑到与画面人物情绪、态度的适配性，所以在运用上不可以太过随意，更注重为影片主旨服务。例如在纪录片《艾米》中所表现出来的主观音乐是将整部影片分为多段，以代表人物的主观音乐作为间隔去拼凑这个音乐天才少女的故事，故事从艾米小时候开始讲述，在经历了年少父母离婚、叛逆期的放纵、得抑郁症、成年后写歌出名、与丈夫相遇又离婚，最后到艾米遭遇人生打击渐渐退出歌坛，这些段落音乐不断变化，配合画面时而高昂，时而骤然减弱。
影片多次使用主人公艾米声音与音乐串场，再通过与画面和音乐的配合完美诠释，选取的音乐与主题相呼应，使观众在一开始就有很好的代入感。以及在纪录片《离巨星二十英尺》中，主观音乐伴随着人物出场，将和唱女声的声音重点放大，以配合人物身份作为片子的重点。整片重点穿插着合唱女声们的合唱音乐作为声音背景，配合近乎完美的音效、配乐和和声，让观众完全沉浸在歌手吟唱的“故事”里。在镜头语言与主观音乐语言的共同调动下，为观众构建其心理空间。客观音乐的声源位于画面场景中，空间和时间特征鲜明，更具备写实性。
客观音乐几乎贯穿在《伍德斯托克音乐节》整片中，影片内容是前中后期的演出组成，无论是前中后期的画面都有音乐的出现，前期准备阶段，可以听到画面中观众在现场随意走动、表演舞蹈、放松沉浸在音乐的狂欢中，以至于活动中突如其来的一场暴雨导致舞台演出的中断，但是狂热的歌迷们继续在雨中自发组织音乐表演，这段即兴表演的画面成为影片的经典镜头，大段大段几乎充斥整片的客观音乐没有使影片的听觉效果杂乱，反而更加符合影片的主题，体现了流行音乐纪录片中音乐现场类型影片的真实性。
在笔者的作品《查无此人》中，有关于团队创作和排练的真实纪录，在这些画面中同样运用了大量的客观音乐，在演唱会现场客观音乐的展示则将人物的音乐风格更加客观、真实的展现在观众面前。在主人公谈到自己专辑的制作想法的片段也使用到了主观音乐，让观众更为直观的感受到主人公对音乐创作的构想以及所表达的内容主题。在流行音乐纪录片中需要更多的形式，具备更多的指向性，用丰富的镜头语言去表现音乐本身。音乐是听觉的艺术而并非视觉的艺术，影片中主客观音乐的相互组合共同完成听觉艺术上的享受，客观音乐完善了在场景中构建，并发挥着写实的美学作用，主观音乐则营造艺术氛围，表达人物情感。两者分别从抽象性和具象性方面诠释着音乐在流行音乐纪录片中的作用和意义。
音乐节奏对应于画面剪辑
在流行音乐纪录片的后期创作中，同样要注意音乐和画面的相互协调，作品的外部节奏和内部节奏对整部影片的最终展现很重要，所以要把握好与作品相关的艺术元素，并在有效的镜头内尽可能的融合。音乐音响是重要的声音造型语言，也是强化情绪剪辑的重要元素。为了表达影片情绪，通常将音乐与画面按三种方法进行融合，分别是统一法、平行法和对立法。
统一法是在剪辑点上将画面与音乐音响的节拍、节奏、重音保持同步，使影片表达一种统一的情绪；平行法是将音乐音响和画面的内容在情绪、节奏上各自独立，形成两个甚至多个“复调”，表现人物的矛盾、复杂心情；对立法是强化情绪，使音乐音响和画面内容在情绪、节奏上对立。在流行音乐纪录片的剪辑过程中，经常使用到统一法，将音乐音响与画面进行统一的融合与对应。音乐节奏指在音乐中，音响节拍轻重缓急的变化和重复，具有时间感。节奏包括节拍和速度两个概念，前者为音乐规律性的强弱交替的运动，后者指律动的速率。流行音乐纪录片不同于常规纪录片，在很多流行音乐现场类的纪录片中，如《迈克尔·杰克逊：偶像的一生》等
可以看到每小节第一个四分音符或节奏重音都是画面的剪辑点，将音乐与画面所表达的内容在节奏、意义上相互一致。以及在不同歌曲快慢的画面表达中，可以看到，画面景别的变化和色彩变化跟随音乐节奏呈现不一样的变化，是流行音乐纪录片中惯用的剪辑手法。如在《披头士如何改变世界》中，在讲述披头士乐队特立独行的生活方式和音乐作品时，在情节中加入披头士的音乐作品，并通过音乐作品，调节影片的节奏。其中的留白处理也是无声胜有声的一种手法，与画面配合效果达到最佳。除此之外，在音乐的选择上，通常会选择鼓点和节奏比较强的音乐与现代观众观看影片需求相符。
把控剪辑节奏也是把控人物的心理节奏，纪录片的人物都是感情丰富的个体，在表达自己想法或情感的时候，都是有递进关系的，这种不同级别的情感在表达方式是有层次的。所以通过观察人物的行为方式来感受人物心理节奏，然后去安排什么时候起情绪，什么时候情绪到达高点，什么时候落情绪。以《贾斯汀·比伯：永不言败》为例，可以很明显的看到人物的心理活动和镜头的表现方式，在贾斯汀学习3D拍摄设备的画面时，配合人物活泼的情绪采用了节奏鼓点较快的音乐来配合等。
可以看到通过音乐的选择，音乐节奏与情节的联系等方式达到视听上的平衡和融合。笔者在毕业作品《查无此人》中，使用了大量的音乐作为背景配乐，在片头和片尾这两处地方使画面对应于音乐节奏，歌曲的歌词很恰当的映衬了画面内容以及所渲染的氛围，以达到视听上的平衡。流行音乐纪录片中与一般纪录片不同，它很少有戏剧性或者表现性效果的剪辑，它更多的遵从影片主题根据音乐节奏进行节奏性效果剪辑。通过镜头远近的变化、镜头速度的变化打造视听艺术效果，如一组短镜头和快节奏音乐快速组接强调快乐、刺激等的视听效果；一组长镜头和慢节奏音乐组接打造闲适、慵懒、宁静等的视听效果。因此，把握作品音乐的艺术元素是剪辑的基础，对音乐剪辑点和节奏剪辑点的合理选择，更有利于创造一部好的流行音乐纪录片。
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